BREVE HISTORIA DEL FLAMENCO

El flamenco es un estilo de música que se da en Andalucía, Murcia, y Extremadura. No se debe confundir con el folklore andaluz que engloba otras músicas como verdiales, sevillanas, fandanguillos...

Esta vinculado a la raza gitana y en su origen fueron los gitanos quienes lo practicaron. Las primeras crónicas sobre flamenco las tenemos en el siglo XVIII y las teorías sobre su origen son dispares y difíciles de comprobar,

La teoría más extendida es la de su origen morisco influido por el mestizaje entre judíos, musulmanes y cristianos en la península. Actualmente es considerado como Patrimonio Inmaterial de la Humanidad, estando muy extendido en todo el mundo. Incluso en Latinoamérica o Japón abundan las escuelas de flamenco.

Los elementos del flamenco son el cante, el baile y el toque.


Etimología

La palabra flamenco se utiliza desde el siglo XIX. Hay varias teorías. La más aceptada es la del origen morisco del término:
    - Fella-mangu: Es el término como se conocía a los cantos de los campesinos moriscos que se negaron a abandonar España tras la expulsión por los Reyes católicos en 1492. Estos moriscos podrían haber
      quedado integrados con los gitanos para poder quedarse en España.
  • Como sinónimo de “flama” que significa llama, chispa o gracia. Flamenco sería por tanto el que tiene “arte, duende, o gracia”.

Las primeras crónicas sobre flamenco las recoge el viajero inglés George Borrow (1841)) que cita a Tío Luis de la Juliana como primer cantaor del que tenemos noticias. Los gitanos recibían ese nombre procedente del término “egiptano” ya que vinieron de Egipto aunque su origen se puede remontar a la India.


Breve historia del flamenco

En tiempos de los Reyes Católicos llegan a la península los gitanos procedentes del centro de Europa como nómadas y se establecen especialmente en Andalucía. Con la expulsión de los moriscos en 1492 muchos moriscos se hacen pasar por gitanos para evitar el exilio con lo que se crea una fusión de culturas que podría haber dado lugar a una primera forma de cante flamenco.

No tenemos noticias de la comunidad gitana hasta el siglo XVIII con el censo de Carlos III, que obliga a los gitanos a tener un apellido, un domicilio y participar en el estado español como ciudadanos.

Cuando estos gitanos se establecen en las ciudades se agrupan en familias y practican el cante y el baile flamenco. A principios del siglo XX aparecen los cafés cantantes que suponen que el flamenco se convierte en un espectáculo público. Allí coinciden cantaores y guitarristas que pueden escucharse mutuamente y enseñarse unos a otros letras, palos y estilos de cante. Los cafés cantantes funcionan como pequeñas salas de concierto donde tiene acceso el público.

La ópera flamenca: Entre 1920 y 1955 los espectáculos flamencos pasan a ser celebrados en plazas de toros y teatros, bajo el nombre de “ópera flamenca”. Se llamaba así porque los promotores pagaban muy pocos impuestos si los declaraban como ópera. En esta época, los espectáculos flamencos se extienden por toda España y el extranjero. El gran éxito de estos espectáculos eliminó de los escenarios algunos palos más antiguos y puso de moda algunos del gusto del gran público como fandangos, colombianas y alegrías. Muchos puristas se quejaron de esta forma de hacer flamenco donde se estimaban especialmente las voces muy agudas (Antonio Molina y Juanito Valderrama). Para combatir la vulgarización del cante se crearon Festivales de Cante Jondo donde no se hacían cantes festeros.

El nacimiento de la flamencología

En 1954 Hispavox lanza la primera “Antología de cante flamenco”. A partir de ahí se inicia un estudio serio sobre el flamenco y se investiga tanto su historia como sus orígenes y variedades. Con estos estudios nace la “flamencología” como rama del conocimiento en cuyos libros se describían el conjunto de conocimientos y técnicas del flamenco.

En 1956 se organiza el I concurso nacional de cante jondo de Córdoba y en 1958 se crea la primera cátedra de flamencología en Jerez dedicada al estudio, investigación, conservación y defensa del cante flamenco. El cantaor Antonio Mairena se dedica a la investigación de todos los cantes y a la grabación de casi todos los palos existentes. Mairena, devuelve al cante su pureza, distinguiendo entre cante grande (cante gitano auténtico) del cante “chico” que eran derivaciones aflamencadas de otras canciones y tonadas folklóricas. Gracias a Antonio Mairena, el flamenco deja de ser sólo un espectáculo para convertirse en objeto de estudio.

La fusión flamenca: El flamenco tras Paco de Lucía

En los años 70 se producen grandes cambios políticos y sociales en España. Eran tiempos de innovación y de influencias venidas de Europa y América.

El guitarrista algecireño Paco de Lucía revoluciona el mundo del flamenco cambiando la forma de concebir la guitarra que ya no se limita sólo a acompañar al cantaor sino que adquiere unos niveles insuperables de virtuosismo que hacen poner a la guitarra al mismo nivel que el cante.

Paco de Lucía forma dúo con Camarón haciendo una fusión entre el cante gitano genuino de Camarón y las innovaciones de Paco en la guitarra. Tras la iniciativa del dúo surgen proyectos con otros músicos que dan lugar al disco flamenco más conflictivo, innovador y criticado de la historia del flamenco: “La Leyenda del Tiempo” de Camarón, donde se emplea cajón flamenco, batería, bajo eléctrico y pianos eléctricos, lo que provocó la ira de los críticos puristas.


Los palos del flamenco

El flamenco se divide en cante jondo, cante flamenco y sones aflamencados. El cante jondo es el más antiguo y origen de los demás.
Los sones aflamencados son fusiones de cante flamenco con otras músicas españolas o sudamericanas (Caribe, Argentina, Colombia...)

Cante jondo Cante flamenco Sones aflamencados
Tonás (martinete, saeta, carcelera, debla)
Soleá
Seguiriya
Cantes de Cádiz (alegrías, bulerías, tanguillos)
Fandangos de Huelva,
Tangos
Malagueña
Granaína
Tarantas y tarantos
Sevillanas
Peteneras
Guajiras
Colombianas
Rumba
Verdiales

Tema 3. La música en el Barroco: Concerto, suite y ópera

Características musicales del barroco

Consideramos que el inicio del barroco musical coincide con la aparición de la ópera alrededor del año 1600. La ópera nace en la ciudad de Florencia por invención de un grupo de intelectuales llamado “La camerata de los Bardi”, por ser la familia Bardi los impulsores del grupo. A este grupo pertenecía Claudio Monteverdi que consideramos primer autor de óperas  de calidad con una estructura ya definida y que ha perdurado.

La música barroca queda definida por estas características:

1. Hay una melodía principal y una base de acordes que acompañan a la melodía. Una voz es la que tiene mayor importancia mientras que las demás son secundarias. La línea del bajo junto con los acordes se conoce por “bajo continuo"

2. La música está al servicio del texto. La música se encarga de describir las sensaciones recogidas en el texto.

3. Uso de la disonancia en cualquier parte del compás, tanto débiles como fuertes.

4. Utilización de ritmos mecánicos. Sus pulsaciones son fuertes y se emplea la repetición de motivos rítmicos, posiblemente por influencia de la música de danza.

5. Ya no son intercambiables los diversos tipos de música, es decir, la música instrumental no se puede cantar y viceversa. Por eso se diferencian tanto los estilos vocal e instrumental.

Características relacionadas con la estética

    1.    Domina la contraposición de elementos, es decir, el contraste: El solista frente a la orquesta, movimientos rápidos seguidos de movimientos lentos, ritmos binarios frente a ternarios.
    2.    Contraste de timbres se produce al emplearse instrumentos de diversas familias en una obra (trompetas, violes, timbales).
    3.    Se intensifica la fuerza emocional de las palabras especialmente en la ópera mediante recitativos, arias y ariosos. Se intenta emocionar. 

Principales formas musicales del barroco: suite, concierto y ópera

La suite

Forma profana, instrumental nacida en la época barroca consiste en una sucesión de danzas contrastantes.
Partes de la suite:
a) Allemande: Danza de origen alemán, de ritmo solemne y compás 4/4
b) Courante: Danza de origen francés de ritmo rápido y compás de ¾
c) Zarabanda: es de origen español de ritmo lento y compás ternario
    i)    Giga: Danza de origen incierto posiblemente italiana o irlandesa. Ritmo vivo y compás de 6/8.
También pueden aparecer otras partes intercaladas o sustituyendo a las mencionadas como: Preludio, Bourée, Loulé, Pasacaglia, etc.

El concerto

El concerto o concierto del barroco responde a la idea estética barroca de contraste. El contraste se da principalmente al “enfrentar” un solista a una orquesta. Este solista tiene el papel protagonista y la orquesta está en un plano secundario. El principio de contraste se acentúa no solamente por alternar solista y tutti (orquesta) sino también los movimientos que contrastan en tempo, al alternarse movimientos rápidos y lentos.

En el caso en que haya varios solistas hablamos de concerto grosso.

El concierto tiene tres movimientos:
1º Rápido (allegro),
2º Lento (adagio, andante...)
3º Rápido (allegro, presto)

Realmente esta estructura proviene de la sonata donde también se alternaban movimientos lentos y rápidos. El concertino es el solista del concierto. En el concierto hay pasajes que se repiten. A este pasaje que se repite lo llamamos “ritornello”. Antonio Vivaldi destacó como compositor de conciertos, la mayoría de ellos para violín y orquesta, como es el caso de su ciclo “Las cuatro estaciones”. 

La ópera

Una ópera es una obra de teatro musicalizada. La ópera aparece a principios del siglo XVII. La primera ópera de entidad es el Orfeo  de Claudio Monteverdi. Antecedentes de la ópera los tenemos en los autos sacramentales donde también unos personajes representabas escenas religiosas y dramas litúrgicos.

La ópera sigue una estructura que ya fue fijada por Monteverdi:

1. Obertura: Parte instrumental inicial que sirve como prólogo a la acción. En óperas más modernas la obertura emplea motivos que luego van a aparecer en el desarrollo.
2. Arias: Son partes que muestran los sentimientos de los personajes en las cuales se detiene la acción dramática. Destaca especialmente la melodía por encima del texto.
3. Recitativos: El recitativo es un estilo entre el habla y el canto. En él se desarrolla la acción dramática.
4. Dúos, tríos, cuartetos: Son números cantados de conjunto. Sirven para representar diálogos o conversaciones.
5. Coros: Intervención cantada de grupo para comentar la acción.
6. Interludios: secciones instrumentales intercaladas en los actos o bien que dan inicio a cada acto de la ópera.

La ópera barroca intenta impresionar, de ahí el despliegue de fastuosos vestuarios, maquinaria y estudiadas escenografías.

Dentro de la ópera barroca distinguimos dos tipos:
    ⁃    La ópera seria: donde predomina el tema mitológico e histórico
    ⁃    La ópera bufa: ideada para divertir con temas intrascendentes y escenas divertidas.

La ópera italiana, supuso un entretenimiento de carácter popular en Venecia y Nápoles, mientras que en Florencia la ópera era de carácter aristocrático.

La ópera inglesa recibió la influencia de la “mascarada” con lo que asumieron perfectamente el nuevo género que llegaba de Italia. Los destacados compositores de ópera en Inglaterra fueron Henry Purcell y George Friederic Haendel (alemán afincado en Inglaterra).

La ópera francesa: Impactó rápidamente en la clase aristocrática al afincarse en la corte el compositor Jean Baptiste Lully, italiano de origen. Sus óperas se conocen como “tragedias líricas”. Al final del barroco la ópera en Francia se divide entre los que defienden un estilo italiano y los que defienden una ópera de estilo puramente francés. Esto dio lugar a una pugna en la corte conocida “La querella de los bufones” en la que tomaron parte tanto aristócratas como compositores. Dentro de la ópera francesa apareció un subgénero nuevo: la ópera-ballet.

La ópera en general en Europa empleaba el estilo belcantista, es decir, una forma de cantar plagada de adornos y pasajes de dificultad como escalas, arpegios y trinos de gran virtuosismo. Esta artificiosidad terminó con la “reforma operística” de C.W. Glück, que creó un estilo más claro y sencillo.







Cita y comentario de obras y autores:

Escuela alemana: El mayor compositor de esta escuela fue Johann Sebastian Bach, cuya muerte pone fin al periodo barroco. Destacamos de Bach los  seis Conciertos de Brandemburgo, que fueron una serie de concerti grossi escritos por encargo. También destacó en la composición de suites para diversos instrumentos solistas o agrupados. Entre sus suites citamos las que escribió para orquesta. También a la escuela alemana pertenece J. Pachelbel autor del conocido “Canon” que en realidad no es un canon sino en realidad una chacona, consistente en repetir una rueda de acordes.

Escuela italiana: Su máximo exponente es Antonio Vivaldi que destacó en sus conciertos para instrumento solista y orquesta. Podemos destacar la serie de conciertos para violín “Las cuatro Estaciones”. Otros autores italianos de música instrumental son Corelli, Vitali, o Geminiani. En ópera destacamos la obra de Claudio Monteverdi cuyo Orfeo sentó las bases del resto de las óperas posteriores.     

Escuela francesa: Su principal autor es Jean Baptiste Lully autor de numerosas óperas para la corte real. Creó la “tragedia lírica”, variedad de ópera e introdujo la obertura francesa (lento-rápido-lento). Las óperas de Lully eran de contenido mitológico. Obras de Lully: Alceste, Isis, Atys.

      Al final del barroco se desarrolla en torno al Palacio de Versalles el estilo Rococó. Dentro de este estilo tenemos a Louis y Françoise Couperin. Se desarrollaron especialmente las obras para clave, llenas de ornamentos con armonías muy simples pero cargadas de adornos, como las “Piezas para clave” de J. P. Rameau
   
Escuela inglesa: Se puede considerar una escuela inferior. Destacaron los laudistas como John Dowland. Especialmente importante es Henry Purcell del que podemos destacar sus conciertos para trompeta. Su estilo operístico tiene gran influencia de las “masquerades”. Ejemplo de ópera de Purcell: El Rey Arturo. El más importante de la escuela inglesa es George Friedrich Haendel de origen alemán afincado en Inglaterra. Compuso óperas como Julio César, Alcina... Su estilo es magistral, siendo uno de los mayores compositores del barroco destacando en música vocal.

TERMINOLOGÍA (Tema 3)

Bajo continuo: Es una textura polifónica propia de la época barroca consistente en una melodía realizada por instrumentos agudos (violín, oboe, flauta...) y acompañada por un instrumento polifónico (laúd, órgano o clave) y un instrumento grave haciendo la línea de bajo (violonchelo, viola da gamba).

Concerto grosso
: Concierto en tres movimientos en el que dos o más solistas se enfrentan al tutti o resto de la orquesta. Es una forma barroca. Los solistas se conocen por concertinos. Un ejemplo de concerti grossi son los Conciertos de Brandemburgo de J.S. Bach.

Aria: Pieza vocal para solista que se inserta en otra obra compleja como el oratorio, la cantata o la ópera. Tiene su origen en el barroco y puede presentar diferentes formas, siendo la más usual el aria da capo, con estructura A-B-A´, donde la última sección se utilizaba para la improvisación por parte de los cantantes.

Bel canto: Estilo vocal nacido en barroco basado en una técnica depurada que tiene en cuenta la proyección de la voz, los adornos, trinos, y pasajes que requieren un grado de agilidad vocal. Este estilo nace con la ópera barroca y termina con Rossini. Es fundamentalmente italiano.
   












Análisis de "La Caccia" (Antonio Vivaldi)

ANÁLISIS 3º Movimiento del concierto para violín y orquesta “El Invierno” (Antonio Vivaldi)

Ritmo
Tipo de ritmo: ternario
Compás: 3/8
Tempo: Allegro
Otras observaciones: Parte de un motivo rítmico danzable en las intervenciones del tutti que contrastan con ritmos complejos en la parte solista. El motivo rítmico rítmico principal es: semicorchea – fusa- corchea – corchea.

Melodía 
Tipo de melodía: Variedad notable de melodías. Melodías contrastantes: sencillas para el tutti y complejas para el solista.
Observaciones: La melodía principal la lleva el violín solista. Los demás instrumentos acompañan al solista. Predominan las melodías diatónicas

Textura  
 Tipo: Bajo continuo
Observaciones: La orquesta pierde densidad cuando interviene el solista con idea de no restarle protagonismo, quedándose reducida prácticamente al continuo (cello y clave).

Timbre
Voz, instrumentos: Obra interpretada por un violín solista acompañado de un tutti o grupo.
Observaciones: Consta de un violín solista y el tutti está formado por instrumentos de cuerda frotada y un clave que hace los acordes. Estos instrumentos del tutti son: violínes I y II, violas, y el bajo continuo integrado por cello y clave.

Forma
Concierto
Observaciones: La estructura de la pieza cuenta con una alternancia de ritornelli (similar al estribillo pero instrumental) y solos de violín. La estructura interna es TS TS TS TS TS T


Género
Instrumental profano
Periodo artístico: barroco
Cronología: 1ª mitad del siglo XVIII
Título: Tercer movimiento del concierto El Otoño
Autor: Antonio Vivaldi.

ANÁLISIS DE “BADINERIE” (Johann Sebastian Bach)



Ritmo
Tipo de ritmo: binario
Compás: 2/4
Tempo: allegro
Observaciones de interés: se produce una repetición constante de motivos rítmicos que crean un ritmo mecánico, propio del barroco.

Melodía
Tipo de melodía: La melodía inicial es de tendencia descendente. El motivo melódico inicial es por saltos, en concreto utiliza acordes parta generar la melodía principal.
Observaciones: Una serie de motivos generan toda la obra al repetirse y variarse. La melodía está en en agudo en el papel de flauta, el resto de las líneas funcionan como acompañamiento. Aparecen algunas alteraciones accidentales que indican cambios de tonalidad.

Textura
Tipo: Polifónica. Bajo contínuo.
Observaciones: Obra a cinco voces, donde la parte aguda es la melodía y la línea de bajo sirve de guía a un instrumento de tecla: el clave.

Timbre
Voz, instrumentos: Obra instrumental con una plantilla formada por flauta solista, dos violines (I y II), una viola y un cello al que se añade un clavecín que hace los acordes.
Observaciones: Se mantiene la flauta como solista haciendo la melodía principal y se va alternando con breves intervenciones de los violines en las melodías principales. El resto de los instrumentos hacen un acompañamiento a la flauta.

Forma
Movimiento de una suite
Observaciones: La obra completa la integran varias danzas contrastantes siendo la badinerie una de ellas. Su estructura es AABB

Género
Obra instrumental profana. Género camerístico.
Periodo artístico: barroco
Cronología: Primera mitad del siglo XVIII
Título: Badinerie

Autor: Johann Sebastian Bach

Análisis de "Tres Morillas m´enamoran" (Anónimo)



1. Ritmo: Binario
Compás: 2/2 (dos blancas por compás)
Tempo: Lento moderado
Otras observaciones: Motivo rítmico principal: blanca-blanca. El ritmo es constante durante toda la pieza.
Melodía
  1. Tipo de melodía: Melodía donde se alternan grados conjuntos con saltos. El diseño melódico en suaves arcos en la melodía principal que está en la voz superior.
    Observaciones: Las melodías son todas diatónicas. Tienen un aire popular y pegadizo. La misma melodía se repite con diferentes textos. Son líneas melódicas simples sin adornos.
  2. Textura:
    Tipo: Homofonía
    Observaciones: leve contrapunto en la voz de tenor al hacer figuras diferentes al resto de las voces. Se mantiene a lo largo de toda la obra.
  3. Timbre:
    Tres voces con acompañamiento de instrumentos.
    Observaciones: La voz aguda (contralto) es cantada por una mujer y las graves por hombres (tenor, bajo). El acompañamiento es de instrumentos de cuerda y viento, recreaciones de la época.
  4. Forma: Villancico
    Observaciones: en su estructura observamos estrofas que combinan con un estribillo rimado. El estribillo sería “Axa, Fátima y Marién”.
  5. Género: Vocal profano
  6. Periodo artístico: Renacimiento
  7. Cronología: siglos XV y XVI
  8. Título: Tres morillas m´enamoran 
    10. Autor: anónimo

Análisis de O Magnum Mysterium (T. L. de Victoria)



“O Magnum Mysterium” (Análisis)

1. Ritmo
     Tipo de ritmo: binario en la primera y segunda parte y ternario en la segunda.
     Compás: 2/2 y ¾
     Tempo: moderado
     Observaciones del ritmo: motivos rítmicos muy variados, hay un cambio de compás en el               compás 53 en que pasa a ternario coincidente con la palabra Alleluia.

2. Melodía: Melodías muy variadas y sin repeticiones ni estribillos. Melodías sinuosas en todas las voces.
Observaciones: Las melodías son diatónicas pero presentan cromatismos alterando con un sostenido la nota sol. Hay frecuentes imitaciones de motivos melódicos que pasan de una voz a otra.
3. Textura: Contrapunto
Otras observaciones de interés respecto a la textura: Emplea compases en homofonía para resaltar palabras concretas (Oh, beata virgo, Alleluia). La entrada escalonada de las voces hacen que la obra vaya creciendo en densidad sonora. La entrada de Oh, beata virgo en textura homofónica nos indica un cambio de sección y contrasta con la sección anterior.
4. Timbre: Coro de voces mixtas a capella
Observaciones: Las entradas escalonadas empezando por las voces agudas crean un contraste tímbrico. En algunos compases las voces agudas callan creando un timbre grave, en otros compases, es el bajo quien calla creando un timbre agudo.
5. Forma: Motete
Observaciones con respecto a la forma: Tiene tres secciones: la primera empieza en la entrada de soprano “o magnum mysterium” (hasta la palabra praesepio). La segunda sección comienza en homofonía con “O beata virgo” y la tercera coincide con el cambio de compás (3/4) de la palabra alleluia.  
6. Género: vocal religioso.
Periodo artístico: Renacimiento
Cronología: siglos XV-XVI
Título: O magnum mysterium
Autor: Tomás Luis de Victoria.

Tema 2. La música vocal en el renacimiento

Contexto histórico del renacimiento

El humanismo es la filosofía que impregna toda la cultura del renacimiento. El humanismo sería el enfoque que la sociedad hace al poner al ser humano como centro del mundo. El humanismo supone una visión antropocéntrica del mundo frente a la visión teocéntrica medieval.

El ser humano gracias a los avances científicos, adquiere auto-confianza y es capaz de atreverse a viajar (auge de la navegación), relacionarse con otras culturas (Marco Polo) y comerciar con países extranjeros (América, Oriente)

Copérnico, Kepler y Galileo retaron a la iglesia cristiana con sus teorías: La tierra era redonda y no plana como postulaba la iglesia; La tierra no era el centro del sistema solar sino el sol, y pensaba que la tierra se movía alrededor del sol. Esto supuso una pérdida de confianza del ser humano en la Iglesia cristiana.

Otro revulsivo para la época fue la rebelión de Martín Lutero contra la Iglesia Católica sobre todo por los casos de corrupción que Lutero criticaba. En concreto Lutero pensó que la iglesia se había apartado de la idea de pobreza del primer cristianismo. Publicó una serie de tesis y en menos de un año tuvieron tal repercusión que les sirvieron para fundar una nueva iglesia: La iglesia protestante (luterana). Gran parte de Europa, sobre todo el norte de Alemania se adhirió a la iglesia de Lutero.

En el renacimiento italiano destacó el nuevo “artista independiente” a diferencia del creador de arte medieval que se sentía inspirado por la divinidad. Estos artistas estaban protegidos por familias burguesas pudientes, que actuaban como MECENAS o protectores de tales artistas. 


Características musicales del renacimiento 

 Las técnicas compositivas en el renacimiento son utilizadas por casi todos los autores de Europa por participar de un estilo internacional especialmente en música religiosa. Por otro lado, la música profana va a mostrar características autóctonas propias del país en que se produzca. 

Principales técnicas compositivas :
 

a) La textura: el renacimiento supone el auge de la polifonía vocal, es decir, el canto a varias voces diferentes. Lo más frecuente es que la escritura se realizase a cuatro voces: soprano, alto, tenor y bajo. Esta plantilla vocal se va complicando llegando a escribirse obras a varios coros (policoralidad).

b) Técnica de cantus firmus: Sobre una melodía anterior se construye una polifonía. Puede ser una melodía tomada del canto gregoriano (música religiosa) o bien de la música profana (melodías populares). En un principio y sobre todo en música religiosa se colocaba la melodía gregoriana en el tenor, a lo largo del renacimiento podemos encontrar el cantus firmus en todas las voces. En música profana, este cantus firmus lo encontramos casi siempre en la voz superior (soprano).
 

c) Técnica de contrapunto imitativo: El motivo expuesto en una voz va pasando por el resto de las voces reexponiéndose. De esta forma, se logra que todas las voces tengan la misma importancia. Este es un principio básico del contrapunto: voces independientes con la misma importancia.

 d) Técnica de las diferencias o variaciones
Se de da especialmente en España teniendo especial incidencia en piezas para órgano, laúd y vihuela (antecesor de la guitarra). Consiste en repetir un tema variándolo. Esta variación se puede hacer alterando el ritmo (p.ej. Cambiando las figuras), cambiando la melodía (añadiendo notas), cambiando la armonía (modificando los acordes de acompañamiento). Temas que fueron frecuentemente sometidos a variación tienen nombres como: El canto del caballero, Guárdame las vacas, L´homme armée


Cualidades de la música renacentista
a) Uso del acorde triada (de tres notas: tónica, tercera y quinta)
b) Empleo de la textura a cuatro voces
c) Gusto especial por la polifonía y especialmente por el contrapunto
d) Homogeneidad de estilos en toda Europa

e) Obras vocales se tocaban con instrumentos y a obras instrumentales se les colocaba texto para ser cantadas
f) El tempo preferido era el tactus, es decir, un ritmo natural aproximado a la velocidad del corazón en reposo. 
g) La letra es fundamental en la polifonía, intentando imitaciones musicales al texto cantado. Se utilizan recursos como sonidos que imitan a la naturaleza que llamamos madrigalismos.
h) Con respecto al texto, se procura que música y texto guarden una coherencia.   

Música vocal religiosa: Misa y motete

 1. La Misa.  Es una forma musical religiosa, polifónica y a capella compuesta por varias secciones siendo las más importantes: Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Benedictus y Agnus Dei. La misa renacentista es polifónica a diferencia de la misa monódica gregoriana del medievo. A partir de Palestrina el texto de la misa, a pesar del contrapunto, se hace más inteligible.

La misa sobre cantus firmus utilizaba una melodía preexistente, generalmente del canto gregoriano que se utilizaba en todas las secciones y se completaba con la polifonía en el resto de las voces. 

La misa parodia o misa de imitación, emplea bloques polifónicos completos tomados de otras misas, de motetes o de obras profanas a las que se les ha modificado el texto y sobre ese material se practican variaciones.

2. El Motete. Es una composición vocal, polifónica y religiosa que tiene su origen en la Edad Media y alcanza su madurez técnica en el renacimiento. El motete renacentista deja de ser politextual convirtiéndose en una composición continua con un texto único, frecuentemente en contrapunto con breves partes homofónicas.

Música vocal profana: Madrigal, villancico y romance

1. El Madrigal: Es una forma musical vocal, polifónica y profana que tiene su auge durante el renacimiento, especialmente en el siglo XVI. Se basa en textos literarios de gran calidad frecuentemente de autores italianos como Petrarca o Dante. Musicalmente tiene influencias de la frottola y del motete. Su estructura es contínua sin estribillos. Aunque su origen es italiano, no tardaría en difundirse por el resto de Europa. 

El madrigal italiano extiende su influencia a Inglaterra donde se pone de moda, creándose un extenso repertorio de ellos. En el madrigal, hay una melodía principal en la voz superior y las demás voces son secundarias. Esto motivó que se mantuviera la voz superior que lleva la melodía y que el resto de las voces frecuentemente fueran sustituidas por instrumentos.

A finales del siglo  XVI el madrigal sirvió para practicar innovaciones armónicas. Los madrigalistas tardíos (finales del XVI) como Claudio Monteverdi, Cipriano de Rore, Lucca Marenzio o Carlo Gesualdo escribieron innovadoras melodías cromáticas.

El “madrigalismo” fue un recurso empleado en esta forma musical que consistía en describir sonidos naturales con la voz (p. ej. animales). La temática del madrigal era por lo general amorosa aunque también épica.


2. Villancico: Es una forma musical española vocal con textos de inspiración popular y ritmos también de inspiración popular. Los textos son sencillos y las melodías pegadizas. Destaca por su aire sencillo a diferencia del madrigal italiano. Está concebido para ser cantado a varias voces, por lo general, 3 ó 4. Dentro de estas voces, la distribución más usual es emplear soprano, alto, tenor y bajo. 


Tiene una peculiaridad que es el empleo de un estribillo que se intercala entre estrofas de diferente texto. No guarda ninguna relación con el villancico navideño, simplemente significa “canción de villanos”. La temática más común es sobre sencillas historias de amor o anécdotas populares. Autor de villancicos fue Juan del Enzina. Los villancicos los encontramos agrupados en cancioneros (Cancionero de la Colombina, Cancionero de Palacio, Cancionero de Upsala, Cancionero de Medinacelli).

3. Romance: Guarda relación con el villancico, por su aire popular, por ser cantado a varias voces, por utilizar textos profanos. Una característica del romance es emplear temas que narran las hazañas de caballeros, de batallas o pequeñas historias de tradición popular. A diferencia del villancico, el romance no necesita de estribillo, si bien podemos encontrar algunos que repiten determinados versos. Encontramos romances en los cancioneros que ya hemos citado.


Las danzas del Renacimiento

El primer aspecto a destacar de la danza del renacimiento es su carácter aristocrático y su función está en las cortes nobiliarias: Alemania, Francia, España, Italia. 

Existen dos tipos de danzas: 

Danza baja: Basada en movimientos parsimoniosos de desplazamiento de los pies por el suelo (Pavana) 

Danza alta: Movimientos en los que se alzan las piernas, asociados a ritmos rápidos. (Ejemplo: la Gallarda) 

Generalmente se bailaban por parejas de danzas Gallarda-Pavana. 

Es la época en la que aparece la coreografía o planificación en detalle y explicación de los pasos. El primer ejemplo de libro coreográfico es Orchesografie de Thoinot Arbeau (1566). 

Otras danzas renacentistas son: branle, allemande y courante. 

Cita y comentario de obras y autores  

En música religiosa contamos con los mismos autores para la misa y el motete.

Se diferencian en escuelas, aunque sólo citaremos las más importantes:

1. Escuela franco-flamenca: Es la iniciadora del nuevo estilo renacentista polifónico. En ella encontramos autores como:

 Guillaume Dufay: Compositor de misas y del famoso motete Nuper Rosarum Flores utilizado para la consagración de la catedral de Florencia.

Josquin des Prés: Destacó en misas y motetes de cantus firmus. Como su Missa l´homme armée sobre tenor profano. 


Otros autores de esta escuela: Binchois, Busnois y Ockeghem.


2. Escuela italiana: Tiene dos centros principales: Roma por ser la sede vaticana y Venecia en torno a la catedral de San Marcos.

Giovanni da Palestrina: Autor de la Missa del Papa Marcello, que ayudó a que el Concilio de Trento mantuviera la costumbre de practicar polifonía en el culto. En esta misa el texto se entiende perfectamente a diferencia de polifonías anteriores donde el contrapunto interfería en la comprensión del texto.

Andrea Gabrielli: Pertenece a la Escuela Veneciana. Su principal innovación fue el empleo del cori spezatti (policoralidad). Gabrieli colocaba diferentes coros en distintas partes de la catedral de San Marcos. Esto creaba un efecto de espacialidad (estereofonía).

3. Escuela española: España vive en el Renacimiento un auge económico que permite la creación musical a gran nivel. Autores españoles fueron:

Tomás Luis de Victoria: Autor de abundante música  religiosa como su obra Officium defunctorum (oficio de difuntos), Officium Hebdomadae Sanctae (oficio de semana santa) y el motete O magnum mysterium. Su música es de una alta espiritualidad y fue muy influyente en Roma.

Cristóbal de Morales, y Francisco Guerrero con un estilo más fresco y menos austero que Victoria. Aunque destacaron en música religiosa, ambos tienen una producción profana de aire popular. Algunas de los obras están recogidas en los cancioneros de la época (Cancioneros de Palacio, Colombina, Medinacelli…)