Tema 3. La música en el Barroco: Concerto, suite y ópera

Características musicales del barroco

Consideramos que el inicio del barroco musical coincide con la aparición de la ópera alrededor del año 1600. La ópera nace en la ciudad de Florencia por invención de un grupo de intelectuales llamado “La camerata de los Bardi”, por ser la familia Bardi los impulsores del grupo. A este grupo pertenecía Claudio Monteverdi que consideramos primer autor de óperas  de calidad con una estructura ya definida y que ha perdurado.

La música barroca queda definida por estas características:

1. Hay una melodía principal y una base de acordes que acompañan a la melodía. Una voz es la que tiene mayor importancia mientras que las demás son secundarias. La línea del bajo junto con los acordes se conoce por “bajo continuo"

2. La música está al servicio del texto. La música se encarga de describir las sensaciones recogidas en el texto.

3. Uso de la disonancia en cualquier parte del compás, tanto débiles como fuertes.

4. Utilización de ritmos mecánicos. Sus pulsaciones son fuertes y se emplea la repetición de motivos rítmicos, posiblemente por influencia de la música de danza.

5. Ya no son intercambiables los diversos tipos de música, es decir, la música instrumental no se puede cantar y viceversa. Por eso se diferencian tanto los estilos vocal e instrumental.

Características relacionadas con la estética

    1.    Domina la contraposición de elementos, es decir, el contraste: El solista frente a la orquesta, movimientos rápidos seguidos de movimientos lentos, ritmos binarios frente a ternarios.
    2.    Contraste de timbres se produce al emplearse instrumentos de diversas familias en una obra (trompetas, violes, timbales).
    3.    Se intensifica la fuerza emocional de las palabras especialmente en la ópera mediante recitativos, arias y ariosos. Se intenta emocionar. 

Principales formas musicales del barroco: suite, concierto y ópera

La suite

Forma profana, instrumental nacida en la época barroca consiste en una sucesión de danzas contrastantes.
Partes de la suite:
a) Allemande: Danza de origen alemán, de ritmo solemne y compás 4/4
b) Courante: Danza de origen francés de ritmo rápido y compás de ¾
c) Zarabanda: es de origen español de ritmo lento y compás ternario
    i)    Giga: Danza de origen incierto posiblemente italiana o irlandesa. Ritmo vivo y compás de 6/8.
También pueden aparecer otras partes intercaladas o sustituyendo a las mencionadas como: Preludio, Bourée, Loulé, Pasacaglia, etc.

El concerto

El concerto o concierto del barroco responde a la idea estética barroca de contraste. El contraste se da principalmente al “enfrentar” un solista a una orquesta. Este solista tiene el papel protagonista y la orquesta está en un plano secundario. El principio de contraste se acentúa no solamente por alternar solista y tutti (orquesta) sino también los movimientos que contrastan en tempo, al alternarse movimientos rápidos y lentos.

En el caso en que haya varios solistas hablamos de concerto grosso.

El concierto tiene tres movimientos:
1º Rápido (allegro),
2º Lento (adagio, andante...)
3º Rápido (allegro, presto)

Realmente esta estructura proviene de la sonata donde también se alternaban movimientos lentos y rápidos. El concertino es el solista del concierto. En el concierto hay pasajes que se repiten. A este pasaje que se repite lo llamamos “ritornello”. Antonio Vivaldi destacó como compositor de conciertos, la mayoría de ellos para violín y orquesta, como es el caso de su ciclo “Las cuatro estaciones”. 

La ópera

Una ópera es una obra de teatro musicalizada. La ópera aparece a principios del siglo XVII. La primera ópera de entidad es el Orfeo  de Claudio Monteverdi. Antecedentes de la ópera los tenemos en los autos sacramentales donde también unos personajes representabas escenas religiosas y dramas litúrgicos.

La ópera sigue una estructura que ya fue fijada por Monteverdi:

1. Obertura: Parte instrumental inicial que sirve como prólogo a la acción. En óperas más modernas la obertura emplea motivos que luego van a aparecer en el desarrollo.
2. Arias: Son partes que muestran los sentimientos de los personajes en las cuales se detiene la acción dramática. Destaca especialmente la melodía por encima del texto.
3. Recitativos: El recitativo es un estilo entre el habla y el canto. En él se desarrolla la acción dramática.
4. Dúos, tríos, cuartetos: Son números cantados de conjunto. Sirven para representar diálogos o conversaciones.
5. Coros: Intervención cantada de grupo para comentar la acción.
6. Interludios: secciones instrumentales intercaladas en los actos o bien que dan inicio a cada acto de la ópera.

La ópera barroca intenta impresionar, de ahí el despliegue de fastuosos vestuarios, maquinaria y estudiadas escenografías.

Dentro de la ópera barroca distinguimos dos tipos:
    ⁃    La ópera seria: donde predomina el tema mitológico e histórico
    ⁃    La ópera bufa: ideada para divertir con temas intrascendentes y escenas divertidas.

La ópera italiana, supuso un entretenimiento de carácter popular en Venecia y Nápoles, mientras que en Florencia la ópera era de carácter aristocrático.

La ópera inglesa recibió la influencia de la “mascarada” con lo que asumieron perfectamente el nuevo género que llegaba de Italia. Los destacados compositores de ópera en Inglaterra fueron Henry Purcell y George Friederic Haendel (alemán afincado en Inglaterra).

La ópera francesa: Impactó rápidamente en la clase aristocrática al afincarse en la corte el compositor Jean Baptiste Lully, italiano de origen. Sus óperas se conocen como “tragedias líricas”. Al final del barroco la ópera en Francia se divide entre los que defienden un estilo italiano y los que defienden una ópera de estilo puramente francés. Esto dio lugar a una pugna en la corte conocida “La querella de los bufones” en la que tomaron parte tanto aristócratas como compositores. Dentro de la ópera francesa apareció un subgénero nuevo: la ópera-ballet.

La ópera en general en Europa empleaba el estilo belcantista, es decir, una forma de cantar plagada de adornos y pasajes de dificultad como escalas, arpegios y trinos de gran virtuosismo. Esta artificiosidad terminó con la “reforma operística” de C.W. Glück, que creó un estilo más claro y sencillo.







Cita y comentario de obras y autores:

Escuela alemana: El mayor compositor de esta escuela fue Johann Sebastian Bach, cuya muerte pone fin al periodo barroco. Destacamos de Bach los  seis Conciertos de Brandemburgo, que fueron una serie de concerti grossi escritos por encargo. También destacó en la composición de suites para diversos instrumentos solistas o agrupados. Entre sus suites citamos las que escribió para orquesta. También a la escuela alemana pertenece J. Pachelbel autor del conocido “Canon” que en realidad no es un canon sino en realidad una chacona, consistente en repetir una rueda de acordes.

Escuela italiana: Su máximo exponente es Antonio Vivaldi que destacó en sus conciertos para instrumento solista y orquesta. Podemos destacar la serie de conciertos para violín “Las cuatro Estaciones”. Otros autores italianos de música instrumental son Corelli, Vitali, o Geminiani. En ópera destacamos la obra de Claudio Monteverdi cuyo Orfeo sentó las bases del resto de las óperas posteriores.     

Escuela francesa: Su principal autor es Jean Baptiste Lully autor de numerosas óperas para la corte real. Creó la “tragedia lírica”, variedad de ópera e introdujo la obertura francesa (lento-rápido-lento). Las óperas de Lully eran de contenido mitológico. Obras de Lully: Alceste, Isis, Atys.

      Al final del barroco se desarrolla en torno al Palacio de Versalles el estilo Rococó. Dentro de este estilo tenemos a Louis y Françoise Couperin. Se desarrollaron especialmente las obras para clave, llenas de ornamentos con armonías muy simples pero cargadas de adornos, como las “Piezas para clave” de J. P. Rameau
   
Escuela inglesa: Se puede considerar una escuela inferior. Destacaron los laudistas como John Dowland. Especialmente importante es Henry Purcell del que podemos destacar sus conciertos para trompeta. Su estilo operístico tiene gran influencia de las “masquerades”. Ejemplo de ópera de Purcell: El Rey Arturo. El más importante de la escuela inglesa es George Friedrich Haendel de origen alemán afincado en Inglaterra. Compuso óperas como Julio César, Alcina... Su estilo es magistral, siendo uno de los mayores compositores del barroco destacando en música vocal.

TERMINOLOGÍA (Tema 3)

Bajo continuo: Es una textura polifónica propia de la época barroca consistente en una melodía realizada por instrumentos agudos (violín, oboe, flauta...) y acompañada por un instrumento polifónico (laúd, órgano o clave) y un instrumento grave haciendo la línea de bajo (violonchelo, viola da gamba).

Concerto grosso
: Concierto en tres movimientos en el que dos o más solistas se enfrentan al tutti o resto de la orquesta. Es una forma barroca. Los solistas se conocen por concertinos. Un ejemplo de concerti grossi son los Conciertos de Brandemburgo de J.S. Bach.

Aria: Pieza vocal para solista que se inserta en otra obra compleja como el oratorio, la cantata o la ópera. Tiene su origen en el barroco y puede presentar diferentes formas, siendo la más usual el aria da capo, con estructura A-B-A´, donde la última sección se utilizaba para la improvisación por parte de los cantantes.

Bel canto: Estilo vocal nacido en barroco basado en una técnica depurada que tiene en cuenta la proyección de la voz, los adornos, trinos, y pasajes que requieren un grado de agilidad vocal. Este estilo nace con la ópera barroca y termina con Rossini. Es fundamentalmente italiano.