jueves, 26 de marzo de 2015

TEMA 3. La música en el Barroco: Concerto, suite y ópera


Contexto histórico del barroco

El periodo barroco comprende el siglo XVII y las primera mitad del XVIII. Durante todo el siglo XVII Europa atraviesa serias dificultades debido a una crisis económica y demográfica. A pesar de ello, se potenció el comercio colonial.

En el terreno político, la Guerra de los Treinta Años asoló Europa debido a los conflictos que se iniciaron entre luteranos y contrarreformistas en el centro de Europa. Es la época de las monarquías absolutas en Francia y la aparición del parlamentarismo en Inglaterra.

En el ámbito de la ciencia, algunos científicos y pensadores criticaron las creencias basadas en la fe y defendieron la experimentación como base del conocimiento. Galileo y Newton revolucionaron el campo de la ciencia. Por otro lado, el arte vive un periodo dorado con un profundo cambio en la estética tanto en artes plásticas con el uso de luces y sombras y el empleo de curvas y contrastes. En concreto en la pintura española destacan Velázquez, Murillo, Valdés Leal o Zurbarán. En la literatura española encontramos figuras de la talla de Cervantes, Calderón y Lope de Vega.


Características musicales del barroco

Consideramos que el inicio del barroco musical coincide con la aparición de la ópera alrededor del año 1600 y su final coincide con la muerte de J.S. Bach en 1750. La ópera nace en la ciudad de Florencia por invención de un grupo de intelectuales llamado “La camerata de los Bardi”. A este grupo pertenecía Claudio Monteverdi que consideramos primer autor de óperas  de calidad con una estructura ya definida y que ha perdurado en el tiempo.

La música barroca queda definida por estas características:

1. Hay una melodía principal y una base de acordes que acompañan a la melodía. Una voz es la que tiene mayor importancia mientras que las demás son secundarias. La línea del bajo junto con los acordes se conoce por “bajo continuo".

2. La música está al servicio del texto. La música se encarga de describir las sensaciones recogidas en el texto.

3. Uso de la disonancia en cualquier parte del compás, tanto débiles como fuertes.

4. Utilización de ritmos mecánicos. Sus pulsaciones son fuertes y se emplea la repetición de motivos rítmicos, posiblemente por influencia de la música de danza.

5. Ya no son intercambiables los diversos tipos de música, es decir, la música instrumental no se puede cantar y viceversa. Por eso se diferencian tanto los estilos vocal e instrumental.


Características relacionadas con la estética

    1.    Domina la contraposición de elementos, es decir, el contraste de solista frente a la orquesta, movimientos rápidos seguidos de movimientos lentos, ritmos binarios frente a ternarios.
    2.    Contraste de timbres se produce al emplearse instrumentos de diversas familias en una misma obra (trompetas, violines, timbales).
    3.    Se intensifica la fuerza emocional de las palabras especialmente en la ópera mediante recitativos, arias y ariosos. Se intenta emocionar. 

Principales formas musicales del barroco: suite, concierto y ópera

La suite

Forma profana, instrumental nacida en la época barroca consiste en una sucesión de danzas contrastantes.
Partes de la suite:
a) Allemande: Danza de origen alemán, de ritmo solemne y compás 4/4
b) Courante: Danza de origen francés de ritmo rápido y compás de ¾
c) Zarabanda: es de origen español de ritmo lento y compás ternario
    i)    Giga: Danza de origen incierto posiblemente italiana o irlandesa. Ritmo vivo y compás de 6/8.
También pueden aparecer otras partes intercaladas o sustituyendo a las mencionadas como: Preludio, Bourée, Loulé, Pasacaglia, etc.

El concerto

El concerto o concierto del barroco responde a la idea estética barroca de contraste. El contraste se da principalmente al “enfrentar” un solista a una orquesta. Este solista tiene el papel protagonista y la orquesta está en un plano secundario. El principio de contraste se acentúa no solamente por alternar solista y tutti (orquesta) sino también los movimientos que contrastan en tempo, al alternarse movimientos rápidos y lentos.

En el caso en que haya varios solistas hablamos de concerto grosso.

El concierto tiene tres movimientos:
1º Rápido (allegro),
2º Lento (adagio, andante...)
3º Rápido (allegro, presto)

Realmente esta estructura proviene de la sonata donde también se alternaban movimientos lentos y rápidos. El concertino es el solista del concierto. En el concierto hay pasajes que se repiten. A este pasaje que se repite lo llamamos “ritornello”. Antonio Vivaldi destacó como compositor de conciertos, la mayoría de ellos para violín y orquesta, como es el caso de su ciclo “Las cuatro estaciones”. 

La ópera

Una ópera es una obra de teatro musicalizada. La ópera aparece a principios del siglo XVII. La primera ópera de entidad es el Orfeo  de Claudio Monteverdi. Antecedentes de la ópera los tenemos en los autos sacramentales donde también unos personajes representabas escenas religiosas y dramas litúrgicos.

La ópera sigue una estructura que ya fue fijada por Monteverdi:

1. Obertura: Parte instrumental inicial que sirve como prólogo a la acción. En óperas más modernas la obertura emplea motivos que luego van a aparecer en el desarrollo.
2. Arias: Son partes que muestran los sentimientos de los personajes en las cuales se detiene la acción dramática. Destaca especialmente la melodía por encima del texto.
3. Recitativos: El recitativo es un estilo entre el habla y el canto. En él se desarrolla la acción dramática.
4. Dúos, tríos, cuartetos: Son números cantados de conjunto. Sirven para representar diálogos o conversaciones.
5. Coros: Intervención cantada de grupo para comentar la acción.
6. Interludios: secciones instrumentales intercaladas en los actos o bien que dan inicio a cada acto de la ópera.

La ópera barroca intenta impresionar, de ahí el despliegue de fastuosos vestuarios, maquinaria y estudiadas escenografías.

Dentro de la ópera barroca distinguimos dos tipos:
    ⁃    La ópera seria: donde predomina el tema mitológico e histórico
    ⁃    La ópera bufa: ideada para divertir con temas intrascendentes y escenas divertidas.

La ópera italiana, supuso un entretenimiento de carácter popular en Venecia y Nápoles, mientras que en Florencia la ópera era de carácter aristocrático.

La ópera inglesa recibió la influencia de la “mascarada” con lo que asumieron perfectamente el nuevo género que llegaba de Italia. Los destacados compositores de ópera en Inglaterra fueron Henry Purcell y George Friederic Haendel (alemán afincado en Inglaterra).

La ópera francesa: Impactó rápidamente en la clase aristocrática al afincarse en la corte el compositor Jean Baptiste Lully, italiano de origen. Sus óperas se conocen como “tragedias líricas”. Al final del barroco la ópera en Francia se divide entre los que defienden un estilo italiano y los que defienden una ópera de estilo puramente francés. Esto dio lugar a una pugna en la corte conocida “La querella de los bufones” en la que tomaron parte tanto aristócratas como compositores. Dentro de la ópera francesa apareció un subgénero nuevo: la ópera-ballet.

La ópera en general en Europa empleaba el estilo belcantista, es decir, una forma de cantar plagada de adornos y pasajes de dificultad como escalas, arpegios y trinos de gran virtuosismo. Esta artificiosidad terminó con la “reforma operística” de C.W. Glück, que creó un estilo más claro y sencillo.


Cita y comentario de obras y autores:

Escuela alemana: El mayor compositor de esta escuela fue Johann Sebastian Bach, cuya muerte pone fin al periodo barroco. Destacamos de Bach los  seis Conciertos de Brandemburgo, que fueron una serie de concerti grossi escritos por encargo. También destacó en la composición de suites para diversos instrumentos solistas o agrupados. Entre sus suites citamos las que escribió para orquesta. También a la escuela alemana perteneceel también organista J. Pachelbel autor del conocido “Canon” que es en realidad una chacona, consistente añadir variaciones melódicas a una secuencia repetida de acordes.

Escuela italiana: Su máximo exponente es Antonio Vivaldi que destacó en sus conciertos para instrumento solista y orquesta. Podemos destacar la serie de conciertos para violín “Las cuatro Estaciones”. Otros autores italianos de música instrumental son Corelli, Vitali, o Geminiani. En ópera destacamos la obra de Claudio Monteverdi cuyo Orfeo sentó las bases del resto de las óperas posteriores.     

Escuela francesa: Su principal autor es Jean Baptiste Lully autor de numerosas óperas para la corte real. Creó la “tragedia lírica”, variedad de ópera e introdujo la obertura francesa (lento-rápido-lento). Las óperas de Lully eran de contenido mitológico. Obras de Lully: Alceste, Isis, Atys.

      Al final del barroco se desarrolla en torno al Palacio de Versalles el estilo Rococó. Dentro de este estilo citaremos a Louis y Françoise Couperin. Se desarrollaron especialmente las obras para clave, llenas de ornamentos con armonías muy simples pero cargadas de adornos, como las “Piezas para clave” de J. P. Rameau

Escuela inglesa: En música instrumental destacaron los laudistas como John Dowland. Especialmente importante es Henry Purcell del que podemos destacar sus Fantasías para orquesta de cuerda. Su estilo operístico tiene gran influencia de las "mascaradas". Entre las mejores óperas de Purcell tenemos Dido y Eneas y El Rey Arturo. El más importante autor de la escuela inglesa es George Friedrich Haendel de origen alemán afincado en Inglaterra. Compuso óperas como Julio César, Rodelinda y Alcina. Su estilo es magistral, siendo uno de los mayores compositores del barroco destacando en música vocal.

  

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