Contexto histórico del renacimiento
El humanismo es la filosofía que impregna toda la cultura del renacimiento. El humanismo considera al ser humano como centro del mundo, esta idea supone una concepción antropocéntrica frente a la visión teocéntrica medieval.
El humanismo es la filosofía que impregna toda la cultura del renacimiento. El humanismo considera al ser humano como centro del mundo, esta idea supone una concepción antropocéntrica frente a la visión teocéntrica medieval.
Con los avances científicos y el auge de la navegación el ser humano adquiere confianza en sí mismo y se enriquece por el contacto con otras culturas con las que comercia, principalmente América y el lejano Oriente.
Copérnico,
Kepler y Galileo retaron a la iglesia cristiana con sus teorías: La tierra no
era el centro del sistema solar sino el sol, defendiendo la idea geocéntrica ya que pensaban que se movía
alrededor del sol. Dichos descubrimientos provocaron una pérdida de confianza en la Iglesia cristiana.
Otro
revulsivo para la época fue la reforma protestante de Martín Lutero contra la
Iglesia Católica sobre todo por los casos de corrupción que Lutero
criticaba. En menos de una año de la publicación de sus tesis, la nueva iglesia protestante se habían afianzado en el norte de Europa, especialmente en Alemania.
En
el renacimiento italiano destacó el nuevo “artista independiente”
a diferencia del creador de arte medieval que se sentía inspirado
por la divinidad. Estos artistas estaban protegidos por familias
burguesas pudientes, que actuaban como mecenas o protectores de tales
artistas.
Características musicales del renacimiento
En polifonía, la suave sonoridad de terceras y sextas se impone frente a los intervalos armónicos de cuarta y quinta medievales, abriendo paso a la formación de acordes triada.
Observamos la aparición de un estilo internacional al utilizar los autores las mismas técnicas compositivas independientemente de sus lugares de su lugar de origen, especialmente en la polifonía religiosa católica.
Principales técnicas compositivas :
a) La textura: el renacimiento supone el auge de la polifonía vocal, es decir, el canto a varias voces diferentes. Lo más frecuente es que la escritura se realizase a cuatro voces: soprano, alto, tenor y bajo. Esta plantilla vocal se va complicando llegando a escribirse obras a varios coros (policoralidad).
b) Técnica de cantus firmus: Sobre una melodía anterior se construye una polifonía. Puede ser una melodía tomada del canto gregoriano (música religiosa) o bien de la música profana (melodías populares). En un principio y sobre todo en música religiosa se colocaba la melodía gregoriana en el tenor, a lo largo del renacimiento podemos encontrar el cantus firmus en todas las voces. En música profana, este cantus firmus o melodía principal lo encontramos casi siempre en la voz superior (soprano).
c) Técnica de contrapunto imitativo: El motivo expuesto en una voz va pasando por el resto de las voces reexponiéndose. De esta forma, se logra que todas las voces tengan la misma importancia. Este es un principio básico del contrapunto: voces independientes con la misma importancia.
d) Técnica de las diferencias:
Se de da especialmente en música instrumental teniendo especial incidencia en piezas para órgano, laúd y vihuela. Consiste en repetir un tema variándolo. Esta técnica se presta a la improvisación. Temas que fueron frecuentemente sometidos a variación tienen nombres como: El canto del caballero, Guárdame las vacas, L´homme armée.
Cualidades de la música renacentista
a) Uso del acorde triada (de tres notas simultáneas: tónica, tercera y quinta).
b) Empleo de la textura a cuatro voces.
c) Gusto especial por la polifonía y especialmente por el contrapunto.
d) Homogeneidad de estilos en toda Europa.
e) Obras vocales se tocaban con instrumentos y a obras instrumentales se les colocaba texto para ser cantadas.
f) El tempo preferido era el tactus, es decir, un ritmo natural aproximado a la velocidad del corazón en reposo.
g) La letra es fundamental en la polifonía, intentando imitaciones musicales al texto cantado. Se utilizan recursos como sonidos que imitan a la naturaleza que llamamos madrigalismos.
h) Con respecto al texto, se procura que música y texto guarden una coherencia.
Música vocal religiosa: Misa y motete
1. La Misa. Es una forma musical religiosa, polifónica y a capella compuesta por varias secciones siendo las más importantes: Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Benedictus y Agnus Dei. La misa renacentista es polifónica a diferencia de la misa monódica gregoriana del medievo. A partir de Palestrina el texto de la misa, a pesar del contrapunto, se hace más inteligible.
La misa sobre cantus firmus utilizaba una melodía preexistente, generalmente del canto gregoriano que se utilizaba en todas las secciones y se completaba con la polifonía en el resto de las voces.
La misa parodia o misa de imitación, emplea bloques polifónicos completos tomados de otras misas, de motetes o de obras profanas a las que se les ha modificado el texto y sobre ese material se practican variaciones.
2. El Motete. Es una composición vocal, polifónica y religiosa que tiene su origen en la Edad Media y alcanza su madurez técnica en el renacimiento. El motete renacentista deja de ser politextual convirtiéndose en una composición continua con un texto único, frecuentemente en contrapunto con breves partes homofónicas.
Música vocal profana: Madrigal, villancico y romance
1. El Madrigal: Es una forma musical vocal, polifónica y profana que tiene su auge durante el renacimiento, especialmente en el siglo XVI. Se basa en textos literarios de gran calidad frecuentemente de autores italianos como Petrarca o Dante. Musicalmente tiene influencias de la frottola y del motete. Su estructura es contínua sin estribillos. Aunque su origen es italiano, no tardaría en difundirse por el resto de Europa.
El madrigal italiano extiende su influencia a Inglaterra donde se pone de moda, creándose un extenso repertorio de ellos. En el madrigal, hay una melodía principal en la voz superior y las demás voces son secundarias. Esto motivó que se mantuviera la voz superior que lleva la melodía y que el resto de las voces frecuentemente fueran sustituidas por instrumentos.
A finales del siglo XVI el madrigal sirvió para practicar innovaciones armónicas. Los madrigalistas tardíos (finales del XVI) como Claudio Monteverdi, Cipriano de Rore, Lucca Marenzio o Carlo Gesualdo escribieron innovadoras melodías cromáticas.
El “madrigalismo” fue un recurso empleado en esta forma musical que consistía en describir sonidos naturales con la voz (p. ej. animales). La temática del madrigal era por lo general amorosa aunque también épica.
2. Villancico: Es una forma musical española vocal con textos y ritmos de inspiración popular. Los textos son sencillos y las melodías pegadizas. Destaca por su aire sencillo a diferencia del madrigal italiano. Está concebido para ser cantado a varias voces, por lo general, 3 ó 4.
Tiene una peculiaridad que es el empleo de un estribillo que se intercala entre estrofas de diferente texto. No guarda relación con el villancico navideño, simplemente significa “canción de villanos”. La temática más común es sobre sencillas historias de amor o anécdotas populares. Los más conocidos villancicos los encontramos agrupados en cancioneros como el de la Colombina, el de Palacio, de Uppsala, y de Medinacelli.
3. Romance: Guarda relación con el villancico, por su aire popular, por ser cantado a varias voces, y por ser de género profanos. Un tema recurrente en el romance es la conquista de Granada. A diferencia del villancico, el romance no necesita de estribillo, si bien podemos encontrar algunos versos que se repiten. La estructura musical de cada estrofa es ABCD formado por octosílabos rimados.
Las danzas del Renacimiento
En polifonía profana destacaron los compositores de villancicos y romances Juan De Triana, Juan Vázquez y sobre todo Juan del Enzina, éste último autor de obras como Mas vale trocar, Hoy comamos y bebamos y Levanta Pascual.
Características musicales del renacimiento
En polifonía, la suave sonoridad de terceras y sextas se impone frente a los intervalos armónicos de cuarta y quinta medievales, abriendo paso a la formación de acordes triada.
Observamos la aparición de un estilo internacional al utilizar los autores las mismas técnicas compositivas independientemente de sus lugares de su lugar de origen, especialmente en la polifonía religiosa católica.
Principales técnicas compositivas :
a) La textura: el renacimiento supone el auge de la polifonía vocal, es decir, el canto a varias voces diferentes. Lo más frecuente es que la escritura se realizase a cuatro voces: soprano, alto, tenor y bajo. Esta plantilla vocal se va complicando llegando a escribirse obras a varios coros (policoralidad).
b) Técnica de cantus firmus: Sobre una melodía anterior se construye una polifonía. Puede ser una melodía tomada del canto gregoriano (música religiosa) o bien de la música profana (melodías populares). En un principio y sobre todo en música religiosa se colocaba la melodía gregoriana en el tenor, a lo largo del renacimiento podemos encontrar el cantus firmus en todas las voces. En música profana, este cantus firmus o melodía principal lo encontramos casi siempre en la voz superior (soprano).
c) Técnica de contrapunto imitativo: El motivo expuesto en una voz va pasando por el resto de las voces reexponiéndose. De esta forma, se logra que todas las voces tengan la misma importancia. Este es un principio básico del contrapunto: voces independientes con la misma importancia.
d) Técnica de las diferencias:
Se de da especialmente en música instrumental teniendo especial incidencia en piezas para órgano, laúd y vihuela. Consiste en repetir un tema variándolo. Esta técnica se presta a la improvisación. Temas que fueron frecuentemente sometidos a variación tienen nombres como: El canto del caballero, Guárdame las vacas, L´homme armée.
Cualidades de la música renacentista
a) Uso del acorde triada (de tres notas simultáneas: tónica, tercera y quinta).
b) Empleo de la textura a cuatro voces.
c) Gusto especial por la polifonía y especialmente por el contrapunto.
d) Homogeneidad de estilos en toda Europa.
e) Obras vocales se tocaban con instrumentos y a obras instrumentales se les colocaba texto para ser cantadas.
f) El tempo preferido era el tactus, es decir, un ritmo natural aproximado a la velocidad del corazón en reposo.
g) La letra es fundamental en la polifonía, intentando imitaciones musicales al texto cantado. Se utilizan recursos como sonidos que imitan a la naturaleza que llamamos madrigalismos.
h) Con respecto al texto, se procura que música y texto guarden una coherencia.
Música vocal religiosa: Misa y motete
1. La Misa. Es una forma musical religiosa, polifónica y a capella compuesta por varias secciones siendo las más importantes: Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Benedictus y Agnus Dei. La misa renacentista es polifónica a diferencia de la misa monódica gregoriana del medievo. A partir de Palestrina el texto de la misa, a pesar del contrapunto, se hace más inteligible.
La misa sobre cantus firmus utilizaba una melodía preexistente, generalmente del canto gregoriano que se utilizaba en todas las secciones y se completaba con la polifonía en el resto de las voces.
La misa parodia o misa de imitación, emplea bloques polifónicos completos tomados de otras misas, de motetes o de obras profanas a las que se les ha modificado el texto y sobre ese material se practican variaciones.
2. El Motete. Es una composición vocal, polifónica y religiosa que tiene su origen en la Edad Media y alcanza su madurez técnica en el renacimiento. El motete renacentista deja de ser politextual convirtiéndose en una composición continua con un texto único, frecuentemente en contrapunto con breves partes homofónicas.
Música vocal profana: Madrigal, villancico y romance
1. El Madrigal: Es una forma musical vocal, polifónica y profana que tiene su auge durante el renacimiento, especialmente en el siglo XVI. Se basa en textos literarios de gran calidad frecuentemente de autores italianos como Petrarca o Dante. Musicalmente tiene influencias de la frottola y del motete. Su estructura es contínua sin estribillos. Aunque su origen es italiano, no tardaría en difundirse por el resto de Europa.
El madrigal italiano extiende su influencia a Inglaterra donde se pone de moda, creándose un extenso repertorio de ellos. En el madrigal, hay una melodía principal en la voz superior y las demás voces son secundarias. Esto motivó que se mantuviera la voz superior que lleva la melodía y que el resto de las voces frecuentemente fueran sustituidas por instrumentos.
A finales del siglo XVI el madrigal sirvió para practicar innovaciones armónicas. Los madrigalistas tardíos (finales del XVI) como Claudio Monteverdi, Cipriano de Rore, Lucca Marenzio o Carlo Gesualdo escribieron innovadoras melodías cromáticas.
El “madrigalismo” fue un recurso empleado en esta forma musical que consistía en describir sonidos naturales con la voz (p. ej. animales). La temática del madrigal era por lo general amorosa aunque también épica.
2. Villancico: Es una forma musical española vocal con textos y ritmos de inspiración popular. Los textos son sencillos y las melodías pegadizas. Destaca por su aire sencillo a diferencia del madrigal italiano. Está concebido para ser cantado a varias voces, por lo general, 3 ó 4.
Tiene una peculiaridad que es el empleo de un estribillo que se intercala entre estrofas de diferente texto. No guarda relación con el villancico navideño, simplemente significa “canción de villanos”. La temática más común es sobre sencillas historias de amor o anécdotas populares. Los más conocidos villancicos los encontramos agrupados en cancioneros como el de la Colombina, el de Palacio, de Uppsala, y de Medinacelli.
3. Romance: Guarda relación con el villancico, por su aire popular, por ser cantado a varias voces, y por ser de género profanos. Un tema recurrente en el romance es la conquista de Granada. A diferencia del villancico, el romance no necesita de estribillo, si bien podemos encontrar algunos versos que se repiten. La estructura musical de cada estrofa es ABCD formado por octosílabos rimados.
Las danzas del Renacimiento
Las danzas del renacimiento que citamos tienen carácter aristocrático y guardan una función social festiva en las cortes europeas, principalmente en Italia, España, Francia y Alemania.
Existen dos tipos de danzas:
Danza baja: Basada en movimientos parsimoniosos de desplazamiento de los pies por el suelo (Pavana)
Danza alta: Movimientos en los que se alzan las piernas, asociados a ritmos rápidos. (Ejemplo: la Gallarda)
Generalmente se bailaban por parejas de danzas Gallarda-Pavana.
Es la época en la que aparece la coreografía o planificación en detalle y explicación de los pasos. El primer ejemplo de libro coreográfico es Orchesografie de Thoinot Arbeau (1566).
Otras danzas renacentistas son: branle, allemande y courante.
Cita y comentario de obras y autores
Existen dos tipos de danzas:
Danza baja: Basada en movimientos parsimoniosos de desplazamiento de los pies por el suelo (Pavana)
Danza alta: Movimientos en los que se alzan las piernas, asociados a ritmos rápidos. (Ejemplo: la Gallarda)
Generalmente se bailaban por parejas de danzas Gallarda-Pavana.
Es la época en la que aparece la coreografía o planificación en detalle y explicación de los pasos. El primer ejemplo de libro coreográfico es Orchesografie de Thoinot Arbeau (1566).
Otras danzas renacentistas son: branle, allemande y courante.
Cita y comentario de obras y autores
En música religiosa
contamos con los mismos autores para la misa y el motete.
Se diferencian en
escuelas, aunque sólo citaremos las más importantes:
1. Escuela
franco-flamenca: Es la
iniciadora del nuevo estilo renacentista polifónico. En ella encontramos
autores como:
Guillaume Dufay: Compositor de misas y del famoso motete
Nuper Rosarum Flores utilizado para la consagración de la catedral de Florencia.
Josquin des Prés: Destacó en misas y motetes de cantus firmus. Como su Missa l´homme armée sobre tenor profano.
Otros autores de esta
escuela: Binchois, Busnois y Ockeghem.
2. Escuela
italiana: Tiene dos centros
principales: Roma por ser la sede vaticana y Venecia en torno a la catedral de
San Marcos.
Giovanni da
Palestrina: Autor de la Missa
del Papa Marcello, que ayudó a que el Concilio de Trento mantuviera la
costumbre de practicar polifonía en el culto. En esta misa el texto se entiende
perfectamente a diferencia de polifonías anteriores donde el contrapunto
interfería en la comprensión del texto.
Andrea Gabrielli: Pertenece a la Escuela Veneciana. Su principal
innovación fue el empleo del cori spezatti (policoralidad). Gabrieli colocaba
diferentes coros en distintas partes de la catedral de San Marcos. Esto creaba
un efecto de espacialidad (estereofonía).
3. Escuela española: España vive en el Renacimiento un auge económico que
permite la creación musical a gran nivel. Autores españoles fueron:
Tomás Luis de
Victoria: Autor de abundante música
religiosa como su obra Officium defunctorum (oficio de difuntos),
Officium Hebdomadae Sanctae (oficio de semana santa) y el motete O magnum
mysterium. Su música es de una alta espiritualidad y fue muy influyente en
Roma.
Pertenecientes a la escuela andaluza tenemos a Cristóbal de Morales, y Francisco Guerrero
con un estilo más fresco y menos austero que Victoria. Aunque destacaron en música
religiosa, ambos tienen una producción profana de aire popular. Algunas de los
obras están recogidas en los cancioneros de la época (Cancioneros de Palacio, Colombina,
Medinacelli…)
En polifonía profana destacaron los compositores de villancicos y romances Juan De Triana, Juan Vázquez y sobre todo Juan del Enzina, éste último autor de obras como Mas vale trocar, Hoy comamos y bebamos y Levanta Pascual.
